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Reseña: Farewell My Concubine (1993)

Estas vacaciones de invierno me di la oportunidad de ver aquellas películas que me han sido recomendadas desde hace ya tiempo en varios sitios web que frecuento o por gente que conozco en general. Una de estas recomendaciones es lo que considero como una de las mejores joyas del cine en general. Una obra maestra dirigida por Chen Kaige, que entre bellas tomas, dramas personales entrelazados con dramas personales y una evolución tanto de los personajes como de sus alrededores en métodos de paralelismos; ‘Adiós Mi Concubina’ es todo esto y mucho más.

Comenzando con la historia, es mucho más extensa de lo general, se alarga a casi 3 horas, pero es un tiempo excelente para el desarrollo de todo este trabajo.

Empezamos con la introducción de los personajes, en un barrio pobre en algún lugar en la China antigua donde vemos a un grupo teatral infantil, donde los niños son obligados a trabajar ahí por huérfanos que han sido abandonados a manos de los dueños de este teatro. Aquí conocemos a uno de los personajes principales, Cheng Dieyi, quien al ser hijo de una prostituta es abandonado por esta en aquel grupo teatral.

Entre abuso físico y emocional de parte de los dueños, conoce a otro niño, el que será su compañero hasta el final, Duan Xiaolou, quien al verlo tan indefenso lo toma bajo su manto, haciéndole como su protector.

Durante estos años se desarrollan como actores de teatro bajo el duro entrenamiento de sus maestros, en este se toman el trabajo de aprender una obra, la historia del mismo nombre de la película, que narra la historia de una concubina que se suicida en nombre de su amado, quien es conquistador cuando al perder su poder quiere saber qué tan fiel es esta.  Aquí se les otorgan los papeles a ambos, siendo Xiaolou el rey conquistador y Dieyi la concubina. Es aquí donde empieza el desarrollo emocional de estos dos personajes siendo que en una parte de la canción de la concubina él se niega a decir ‘que yo mujer nací’ cambiándolo por ‘yo hombre nací’. En una de estas ocasiones llega un representante de un monarca cuando les pide que este les pide ver la obra. Primero ve a Dieyi y sorprende en su físico al hacer el papel de la concubina, pero cuando se equivoca en la canción se va; no es hasta que Xiaolou se lo pide que este lo hace de la manera correcta ganándoles un lugar a toda la casa teatral con la obra.

Después de montar la obra y dejar en asombro al público, ambos actores principales son llevados a donde uno de los mecenas de la compañía se está quedando, tristemente es quien viola a Dieyi. Después de este suceso traumático, los niños se encuentran a un bebé abandonado y aunque el director le dice que deje al bebé en manos del destino, estos deciden llevarlo con ellos.

Ya después al terminar su aprendizaje en la casa teatral estos dos se hacen actores famosos en la opera de Pekín. Aun juntos en el escenario como fuera de este aunque ambos sean tan diferentes, Dieyi ahora llamado Douzi es gay, enamorado de su compañero Xiaolou ahora llamado Shitou quien es mujeriego y se enamora perdidamente de una prostituta llamada Juxian.

A partir de esto se desemboca toda una carrera de desastres entre estos tres personajes, tomando en cuenta el tiempo en cuando esto sucede, durante la ocupación japonesa donde Douzi es obligado a cantar enfrente de los japoneses para liberar a su Shitou, después cuando China es liberada y este es juzgado como traidor de la nación y ser salvado cuando uno de sus amantes, el patrón de la opera quien lo intenta sacar de la problemática situación y aunque Douzi rechaza este testimonio, los militares se lo llevan, donde es liberado para que actué para la nueva autoridad; es aquí donde empieza su adicción al opio, que afecta su voz y hace que no pueda cantar hasta que lo deje.

Después de dejar su adicción, este regresa al teatro, haciendo parte en las obras comunistas del gobierno actual de China, al dar a conocer su disgusto por estas, un joven le llama la atención, diciéndole que está tomando en cuenta una visión capitalista y es cuando Douzi nota que este joven es quien el salvo al llevarlo a la casa de teatro todos esos años atrás. Pero después de que Douzi lo acoge y lo toma bajo su tutela, este lo traiciona y toma su lugar como la concubina en la obra y Shitou decide quedarse con el trabajo del rey y con esto los dos amigos se distancian.

Para terminar, es durante la revolución cultural donde Shitou es acusado de estar en contra del gobierno comunista y junto con su esposa y Douzi, los tres se encuentran dentro de una situación como en una cacería de brujas, y cuando Juxian es acusada de prostituta, Shitou dice que sí y cuando estos le preguntan que si la ama, el responde que ya no. Para esto Juxian se suicida, pero Douzi y Shitou son liberados para dar otra presentación ante el nuevo gobierno.

Finalmente, después de once años, vuelven a practicar la obra, donde Douzi recita de nuevo la canción erróneamente, solo para momentos después suicidarse como la concubina, con la espada de su amado.

Entre la cinematografía, las tomas y los vestuarios que estos usan, hace todo esto un trabajo excelente para evolucionar con la historia, son los pequeños detalles en estas tomas que hacen sentir más una obra que una película de vida. También usando la política y el cambio de tiempo en el que estos personajes evolucionan es algo maravilloso con lo que se tomo en cuenta para hacer este filme.

Uno de los ejemplos de esto es la escena en la que Douzi quiere castigar al joven quien salvo, Xiao Si, que lo castiga como en su infancia haciéndole sostener una palangana llena de agua de rodillas, pero este se rehúsa a tomar este en serio y se va. Muy diferente a lo que vivo Douzi de joven quien tuvo se sufrir esto junto con todos sus compañeros con los que vivo en ese grupo teatral. Esto nos da a entender las diferencias entre estos dos, como Douzi no conoce otra manera de disciplina más que a golpes y que de alguna manera esto le trae un tipo de confort o entendimiento, contrario al joven Si, quien vivió en un tiempo diferente por lo que el castigo lo ve no como algo obligatorio, sino como opresión innecesaria.

También tienes los paralelismos entre los personajes de la obra y los de la película, como ambos Douzi y Shitou encuentran dificultades de cierta manera a culpa de estos personajes, tanto Shitou que no puede razonar su vida entre el teatro y su vida personal, haciendo un desastre de ambas, junto con Douzi quien, como vemos en la última escena, realmente se ha convertido en la concubina.

Verdaderamente una película excepcional que me sorprende que no tenga más renombre con actor asiático tan reconocido como Leslie Cheung; junto con aun más simbolismos y temas queer que inunden esta película, una verdadera joya del séptimo arte.

-Andrea MR

“How truly does this befit you. To you… only you are possessed of such charm.”

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Vali Myers, la Bruja del Positano

Recientemente, traída otra vez a mi atención, esta una de las mujeres que considero más emblemáticas en la cuestión del arte y de un estilo de vida en sí. Hablo de Vali Myers, también conocida como dice en el título, ‘La Bruja del Positano’.

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Artista, bailarina, musa y excéntrica, esta mujer fue todo lo que quiso ser y más. Nacida en Australia el 2 de agosto de 1930, de una madre violinista y un padre que era operador de la marina, Vali destaco desde joven en el arte, en especial en la pintura. Fue en seguida que a la tierna edad de 14 años decide irse de la casa solo para terminar trabajando en fábricas para pagarse cursos de baile, siendo exitosa hasta llegar a liderar el Melbourne Modern Ballet Company.

Ya a la edad de 19 años se escapa a Paris tratando de seguir como bailarina pero termina tristemente viviendo en las calles de Saint-Germain-des-Prés. Es aquí donde se encuentra con la escena bohemia que estaba en esos tiempos fuerte en las calles de Europa, donde esta se llega a relacionar con artistas tan importantes como Django Reinhardt, Jean Cocteau, Jean Genet and Jean Paul Sartre, tristemente es en estos tiempos donde cae en una adicción al opio hasta que es recatada por su amante en ese tiempo Rudi Rappold, un arquitecto Austriaco que dejo todo para estar con ella y finalmente en 1952 se van a Italia a vivir en el valle de Positano.

Es aquí donde decide vivir en completa armonía con la naturaleza en su alrededor. Con un estilo de vida radicalmente ecológico, sin carne, sin tecnología, rodeada de todo tipo de animales y en especial de su querido zorro de mascota llamada Foxy. Es en este periodo de tiempo donde vive su momento más artístico y trabaja en sus ilustraciones sin interrupción ni demás distracciones.

Su trabajo artístico es conocido especialmente por sus detalles como de magia, llenos de espiritualidad, traces místicos y embrujados; llenos de figuras femeninas y detalles elegantes. Dejando obras de arte visionarias, como viendo del otro lado del espejo; con detalles de magia antigua o de vida de la naturaleza misma.

Después, ya en los años 70’s se muda a Nueva York y vive ahí hasta 1992, es en este tiempo que decide por primera vez vender su trabajo. Con el respaldo de artistas famosos como Patti Smith, quien gran fan de su trabajo coleccionaba tanto sus pinturas como fotografías de ella, Mick Jagger quien también actualmente es de los pocos quienes todavía tienen sus obras en posesión y el mismo Salvador Dali quien la ayudo a solidificarse como artista. Fue también el famoso Andy Warhol quien le propuso la idea de vender reproducciones de sus obras para quien quisiera.

Finalmente es en este punto donde vive de su obra y de aquí hasta que se va de NY que regresa ocasionalmente a su pequeño valle en Positano. Después de divorciarse de Rappold conoce a un artista Italiano quien será su compañero por el resto de sus días, Gianni Menichetti, quien la ayuda a convertir su pequeño valle en santuario de vida silvestre. Es finalmente en 1993 que regresa a Sydney donde abre un estudio aún regresando de vez en cuando a su pequeño hogar.

 

Tristemente, muere en el 2003 siendo diagnosticada con cáncer a la edad de 72; pero se fue tanto con amor y sin remordimientos que nos deja todo un mensaje de vida:

“I’ve had 72 absolutely flaming years. It [the illness] doesn’t bother me at all…, I put all my effort into living; any dope can drop dead. I’m in the hospital now, and I guess I’ll kick the bucket here. Every beetle does it, every bird, everybody. You come into the world and then you go.”

Vali Myers es en lo personal un absoluto maravilloso ejemplo de vida, una mujer y artista excepcional, dejando un trazo de vida del que muchos quisiéramos llegar a compartir, con un espíritu liberador y mágico quien aun con todas las dificultades que se presentaron en su camino, vivió como quiso y cuando quiso. Sin remordimientos y sin temores, entre sus animales, su arte y sus amantes vivo e hizo más de lo que muchos de nosotros nos atreveríamos.

 

-Andrea MR

“…Because, you know, love, when you’ve lived like I have, you’ve done it all.”

Reseña Musical – Taemin MOVE (2017)

Quisiera comenzar diciendo que no soy mucho de escuchar este género de música, pero últimamente ha estado llamando la atención en tanto los medios americanos como aquellos mundiales que me he tomado la oportunidad de escuchar uno de los tantos ejemplares que hay en este estilo de música.

El segundo álbum de uno de los participantes de la famosa banda kpop Shinee, Taemin nos presenta con un concepto que creo verdaderamente original. Con la participación de Seulgi de la también famosa banda Red Velvet, logra crear un álbum que difiere verdaderamente del sonido que puede ser genérico de muchas bandas de este género.

Empezando por el primer single extraído de este trabajo, MOVE nos demuestra un ejemplo con el concepto de lo que se puede describir como de ‘genero-fluido’ donde vemos al cantante principal con estética delicadamente femenina, también incluyendo a sus bailarinas con estética masculina dando una imagen andrógena que alimenta tanto el baile presentado en el video como la estética de todo el álbum.

Después témenos LOVE, empezando con un suave piano y el gran trabajo vocal por parte del cantante, demostrando y evocando emociones para todo quien lo escuche; sin necesidad de entender lo que se está diciendo. Suave y de alguna manera movida, como una de esas canciones que escuchas en algún filme de un gran amor. Mezclando sonidos technos con el suave guiar del piano, esta canción hace un trabajo excepcional.

Posteriormente tenemos CRAZY 4 U, que tiene un sonido más liberador, suavemente como RnB, que igualmente es la mezcla excelente entre temática y sonidos. Esto siguiente para complementar con la canción consecuente de este, HEART STOP, un trabajo dúo junto con la cantante Seulgi de la también famosa banda de pop surcoreana, Red Velvet. Energizarte y movediza no me sorprendería que sea de las fan favorites.

En consecuente tenemos RISE, poderosa y emblemática, los instrumentos logran empoderar tanto la voz como las emociones de taemin, entregando algo íntimo. Muy contrario a la siguiente canción de este álbum.

THIRSTY no nos deja duda de que habla, sensual con un beat que hace memoria a las canciones de principio de los 90’s con un estilo de RnB mas remarcado que las anteriores canciones. Este ya tiene un MV que trabaja mejor la canción con la versión que se toca en conciertos; lleno de colores y un baile espectacular, esta ya es una de las fan favorites.

STONE HEART y BACK TO YOU son creo las mejores de este álbum, dos canciones muy diferentes la una a la otra pero que creo que tienen un sonido muy diferente e independiente del clásico estilo pop, que no son mucho para bailarles, sino para disfrutarlas como son. Con STONE HEART haciendo un estilo pop clásico pero a la vez trabajando con pausas y bajos haciéndola algo de sonido muy original mientras que BACK TO YOU trabajando con pura guitarra acústica creando un ambiente pacifico haciendo un excelente trabajo vocal sin sonar aburrido o simple.

Mención honorifica para terminar es la canción extra del álbum la de FLAME OF LOVE, que aun siendo solamente un extra, es un ejemplar maravilloso para escuchar.

4/5

-Andrea MR

“Rise my body may burn and turn to ashes, I open my wings wider, Flying, Rise”

Reseña: Justice League (2017)

Finalmente, vamos a hablar de la muy esperada ultima instalación de DC, Justice League y créanme que voy a hacer una reseña despiadada sobre esta película, tengo bastantes puntos los cuales quiero cubrir, por un lado, por mi amor a tanto (en lo personal) a Wonder Woman que junto con el resto de los superhéroes forman la Justice League y por otro lado mi odio a que tanto WB como el odioso y poco talentoso director Joss Whedon se llevaron de lo que en verdad pudo haber sido este trabajo.

Empecemos con la historia en sí. Inspirado por la muerte se Superman, Batman junto con Wonder Woman, deciden reunir a varios seres con poderes para salvar al planeta de una inminente fin que es el villano conocido como Steppenwolf, destructor de planetas y terror galáctico. Para esto resulta que este ya había venido una vez antes a la tierra con la idea de conquistar esta misma y destruir todo ser vivo que se interpusiera en su camino, pero para conseguirlo necesita lo que llegamos a conocer como las ‘cajas madre’ o ‘mother box’; estas son poder en sí, así lo relata Diana, dándonos el recuento del pasado de este épico enfrentamiento entre las Amazonas, los Atleantes y los humanos, quienes uniendo fuerzas pudieron derrotar a este ser. Con estas 3 cajas se puede hacer tanto creación como destrucción, por lo que no debe de quedar en manos de alguien como Steppenwolf.

Finalmente llegamos conociendo a los que se nos unirán después como parte de la liga. Comenzamos con Aquaman, más bien conocido como Arthur Curry, quien reside en un pueblecito en las costas del océano, donde trae alimento y demás a este lugar en los duros inviernos donde nadie viene a ayudarlos, a principio duda mucho de Bruce Wayne, pero después acepta.

Después tenemos a la cuenta chistes de la historia, Barry Allen, mejor conocido como Flash, quien vive solo después de que a su papá lo encarcelaran por el asesinato de su madre, aunque Barry sabe que no fue su culpa. Su relación se lleva de manera corta pero especial, cuando su papá le dice que deje ir de él, que encuentre su futuro y su lugar en el mundo, que vaya a la escuela y consiga trabajo en lo que quiera, que no desperdicie su tiempo en él. Es aquí cuando entra Bruce dándole una oportunidad al joven de unirse a algo tan grande como la JL. Es aquí donde Bruce esperando en su propia ‘batcave’ que fue creada, programada y hecha por el mismo, junto con su traje carmesí.

Para finalizar tenemos al corazón de este grupo, Victor Stone, mejor conocido como Cyborg, quien después de sufrir un accidente, su papá, jefe de Star Labs, utiliza tecnología Kryptoniana para salvar su vida, pero dejándolo desfigurado; mita máquina, mitad humano. Superando su trauma, culpa a su padre de su actualidad. Es aquí cuando se da cuenta que está siendo seguido por alguien, este siendo Bruce Wayne; y es después cuando por medio de la tecnología en la baticueva que logra contactarse con Diana para hablar. Pero no es después que hasta que su padre es secuestrado por uno de las criaturas trabajando para Steppenwolf, un parademon, que este decide unirse también a la liga.

Para esto encuentran una de las cajas madres y con esta deducen que pueden traer a Superman de regreso, que aunque necesario a vista de algunos, peligroso en vista de otros; pero al final y a cuenta, lo hacen y funciona. Pero como no es fácil traer a alguien de regreso de la muerte intacto, este se pone violento hasta que llega Lois a ayudar con Clark.

Después de esto tenemos la escena del reencuentro entre Martha Kent y su hijo, junto con Lois en la granja y cerrando la escena de la familia Kent.

Pasando esto, la liga tiene que lidiar con la venganza de Steppenwolf, quien junto con sus parademons logró conseguir las tres cajas madre, las cuales usara para dar la venia a quien sería Darkseid. Pero gracias a la liga, esto no sucede, junto con Superman, quien después se les une, logran derrotar al villano, siendo que este, una vez que se da cuenta de que no los puede derrotar es llevado por sus sirvientes a otro lado (posiblemente apokolips).

Son Cyborg y Superman quienes salvan el día, separando las cajas madre y que, juntos con la liga, derrotan a Steppenwolf.

Ahora que hemos dado un pequeño resumen de la historia, voy directamente a la masacre de esta misma.

Como todos ya sabemos (y quienes no lo sepan se van a enterar) durante el rodaje de esta película, el director Zack Snyder sufrió la trágica muerte de su hija a causa de un suicidio; no se revelo mucha información sobre el caso y no se necesitó, porque tristemente esto sucedió tiempo antes de que se llevó la noticia a los medios, ya que la familia de los Snyders no se sentían lo suficientemente confiados de que los medios lo tomarían con respeto, porque después de la premier de la película de BVS, tanto los críticos como larga parte de los medios tomaron a hostigar y a hacer comentarios lastimosos sobre una simple película, por lo que la familia decidió dejarlo en secreto por tiempo, hasta que el dolor y la pesadez de perder a su hija fue demasiado para ellos y dejo el proyecto sin terminar.

Para seguir con la película se escogió a Joss Whedon, quien en lo personal fue la peor persona a la que pudieron haber elegido puesto a que sus anteriores trabajos confirman la falta de profesionalismo, talento y tacto para tratar situaciones actuales o el simple buen trato de personajes femeninas.

Ejemplos sencillos como la caracterización de Black Widow por toda la duración de Age of Ultron, y en esta película con la escena donde flash cae sobre los senos de Wonder Woman y donde Martha y Lois hablan cuando dice que Clark pensaba que “era la mujer más sedienta que ha conocido” en referencia al apetito sexual.

Tristemente Whedon escribe como niño caliente adolescente de 16 años que acaba de conseguir su cuenta en pornhub; chistes sexuales básicos sin ningún humor que simplemente incomodan más que hacer reír. También momentos, a los que llamaremos como ‘vacíos’, donde se piensa que serán esenciales o desencadenaran algo importante pero no son más que escenas de relleno. Unos ejemplos como estos seria la escena de la mujer en la tele gritando que su esposo se lo llevaron los aliens y amedrentando a mas no dar; también todas las escenas de la familia rusa. No tenía razón de ser, según fuentes esas escenas son de Whedon y puedo decir personalmente que se nota bastante, puesto a que no sirven de nada, no dan ilusión a la historia, ni representan lo que está pasando. Solo sirven como servicio emocional vacío, como una ilusión de la emoción simplificada de lo que deberíamos estar sitiando; tal vez un reflejo de nosotros mismos en la pantalla, pero llega a ser muy vacía, sin algún entendimiento o complejo emocional.

Finalmente la historia en si tiene muchos huecos en ella, donde a contrario de BVS que se entendían por contexto social, este no da más alegorías. Si al principio se refleja como Superman dentro de esta historia es paralela con la historia de vida de muchos migrantes dentro y fuera de EU, en el resto de la película se tira debajo de la alfombra dejándonos sin idea del contexto de todo aquello que falto decir.

Sin mencionar a parte la muerte y resurrección de Superman; si la muerte de este fue un momento épico y emocional durante BVS, su resurrección dentro de JL fue tratada más como un chiste o algo predecible. Mientras que sí, todos los fans sabíamos que este iba a regresar para ser parte de la liga, el público general no lo sabía. Y con el impacto que tuvo su muerte en BVS era de esperarse que la resurrección de este fuera igual sino más devastaste que la última vez que lo vimos.

Otra cosa que cabe mencionar es Batman, mientras que si se sabía que iba a ser como el ‘papá’ del grupo, eso no quiere decir que iba a cambiar completamente de actitud a chistes sencillos o mejor dicho a relleno con ‘one liners’, contrario a su personalidad en BVS donde está lleno de enojo y rencor y que aunque al final de esta nos demuestra que tiene esperanza en el hombre porque Superman le demostró que es el ser y vivir como humano, como ser humano sobre esta tierra. Vivir, crecer y enamorarse en esta vida, como no ser de aquí no quiere decir que no pertenezcas aquí; falto mucha evolución de su personaje, tan solo de un salto al otro se convirtió en el papá chistes del grupo. Si aunque admito que hay escenas en que esto fue especial para la película, como cuando le da consejos a flash la primera vez que ve a los parademons, después de la resurrección de Superman sus chistes opacan e incomodan y no dejan dar la evolución de su personaje como debió de serlo.

En lo personal creo que el desmadre y la gran pérdida de esta película fueron por varias razones, trataré de ser concreta con ellas.

  1. Warner Brothers tratando de aplacar a la crítica aplicando la misma famosa ‘formula marvel’ que estos parecen amar.

Uno de los problemas fue este; la crítica desde hace ya rato odiaba a Snyder, esto sería desde la primera película del DCEU, la famosa Man Of Steel que toma una dirección diferente sobre la misma historia de Superman, dándole más trasfondo emocional y relacionándolo con los problemas en EU como su trato con los migrantes. Snyder desde hace ya rato declaró que su trato con este gran personaje era con un enfoque de un migrante, alguien aislado por la sociedad por ser diferente, y esto al parecer no gusto mucho al público; sea cual sea la razón no le funciono tampoco a la crítica; pero a los fans les encanto, en especial a las minorías quienes se podían relacionar con esta temática. Esto afecto en especial al villano, en vez de dándole una historia, algún trasfondo en específico, termino convirtiéndose en un villano genérico que solo quiere destruir por hacerlo así, cuando usualmente, este no es el tipo de trabajos por los que Snyder es bien reconocido.

Pero WB queriendo, ¿qué exactamente? Porque dinero si saco y a los fans también les encanto, pero al parecer WB les besa el culo a los críticos que fue lo que primero sucedió con Suicide Squad.

Es bien sabido que esta película tuvo una gran cantidad de cambios en el script original a últimos minutos, haciendo la historia muy contraria a la temática vista en BVS, si en esta era oscura entonces de SS seria brillante, si era compleja ahora es sencilla, si no lleva chistes cada cinco minutos entonces ahora los tendría cada dos minutos; y esto llego a sobre cargar la película haciéndola un fracaso ante la vista de muchos. Aunque por ser original y de buenos personajes la película llego a ser decente, en especial porque era algo que no se había visto y con una historia consistente.

Aquí paso lo mismo, pero a contrario del trabajo de Ayer, que trato de ser lo más consistente posible, JL tiene muchos huecos y momentos vacíos que simplemente no cuentan nada.

  1. Comparaciones constates con el MCU

Las comparaciones con el universo cinematográfico de Marvel han sido desde sus inicios un estorbo en las películas del DCEU, ¿Por qué? Simplemente porque gran parte de la crítica no entiende la diferencia entre ambos titanes de los comics.

Es bien sabido entre fans de ambos de estos que los personajes de los universos trabajan de manera diferente. Marvel es sobre gente común queriendo ser dioses; con chistes y one liners, mientras que DC son dioses queriendo ser humanos; esto llega a dar un sentido filosófico y complejo en el reflejo del ser vivo.

Ambos de estos tienen su estilo característico y si trabajaran al revés, no funcionaria. Y eso es lo que paso en JL; que con el ambiente dado por parte de Snyder desde hace dos películas y también gracias a Patty Jenkins con la maravillosa WW, dio una temática dentro de este universo con el que la JL no sigue.

Y a lo mejor se preguntaran, bueno si las comparaciones son el problema, ¿Por qué WW no tuvo el mismo problema? Simple mi pequeño salta montes, porque WW no tiene ninguna película de comparación dentro de MCU. Para Marvel la primera película de una heroína empieza hasta la película de Captain Marvel con la historia de Carol Danvers; pero esta todavía esta apenas en producción sino todavía antes. Entonces WW es la primera en su tipo, aunque la podrías comparar con las de Captain por la misma temática de la guerra mundial II, Wonder Woman sigue siendo diferente porque ahora la protagonista es mujer y no solo habla de acción y amistad, sino de sexismo, diferencias raciales, amor, esperanza, problemas sociales y demás que las de Marvel simplemente, ni siquiera tocan.

Pero al parecer a los productores de WB no les cae el veinte con este contraste muy diferente entre ambas y se les hizo fácil cambiar todo para aplacar a unos cuantos críticos. Simple y sencillo decir que no les funciono.

  1. El trato con Snyder, el mal trabajo de Whedon, la falta de un soundtrack original por parte de Elfman

Se nota también que tristemente, la muerte de la hija de Snyder les cayó como anillo en el dedo a los de WB ya que a partir de esto pudieron moverle a la película como quisieron, sin ningún limitante como lo hubiera sido Snyder. Haciendo escenas otra vez gastándose millones de dólares solo para meter chistes forzados o sexistas, retomar escenas que ya estaban completas, llenar de momentos vacíos sin ninguna ayuda a la historia principal, haciendo mal CGI al bigote de Cavil en vez de simplemente rasurarlo, etc; se gastó más dinero en estos reshootings que en lo que WB probablemente gane. Otro punto también por tomar es la musicalización del filme; tristemente también Junkie XL y Hans Zimmer se tuvieron que retirar de la producción desde temprano, dejando este trabajo al conocido compositor de Danny Elfman.

Mientras que reconozco que el señor tiene carrera de renombre y talento aquí simplemente se vio mal. Poniendo su propia canción de Batman de filmes anteriores, reusando básicamente los trabajos que hizo para la película de The Avengers, se vio perezoso y sencillamente hasta pena ajena dio ver su mal trabajo en la película.

Pero bueno, a pesar de todo esto, la película sigue atrayendo gente, ¿porque? Simplemente porque es la Justice League. A pesar de todas estas faltas la película sigue de pie; con fenomenal fotografía, llena de colores vivos y momentos brillantes, interacciones especiales entre los personajes llenando cada espacio de este filme y no falta mencionar las especiales actuaciones por parte de cada uno de los actores; tanto Ezra como Ray se llevan la película como los jóvenes de la liga, con momentos llenos de corazón y emoción, logran cautivar a la audiencia de manera especial. Ben y Gal de nuevo hacen un trabajo ejemplar como los líderes de la liga y Mamoa haciendo una introducción épica dentro del universo acuático de Aquaman. Poniendo también a Amy Adams, Diane Lane, que aun con chistes sexistas logran tener su momento; Amber Heard dándonos una Mera tal y como la prometió, chingona.

Sin discutir también la escena especial de post créditos; mientras la primera es una casi respuesta al viejo debate que si es más rápido Flash o Superman, es la segunda quien se lleva el premio, con la aparición de regreso de Lex Luthor desde BVS y la primera aparición en el universo DCEU del maravilloso Deathstroke, caracterizado por Joe Mangianello.

Y muchos más puntos a discutir de esta película, que aun con todo el desmadre tras bambalinas logro salir adelante y que gracias a todos aquellos que trabajaron arduamente por entregar una película con la que todos soñábamos desde niños que dio su prometido; esperanza.

3/5

-Andrea MR

“There are heroes among us. Not to make us feel smaller, but to remind us of what makes us great.”

 

Thor: Ragnarok (2017)

Después de todo una semana de desmadre, finalmente fui a ver la nueva instalación de Marvel, dirigida por el relativamente nuevo en escena director, Taika Waititi, quien se catapulto a la fama trabajando en la excelente comedia de “What We Do in the Shadows”, y debo decir firmemente que Taika hizo lo que Marvel no ha podido hacer en tanta películas, le puso color a sus películas.

Pero vamos a lo primero, la película de Ragnarok habla sobre la destrucción de Asgard que se quedó sin Odín porque Loki decidió llevarlo a tierra, cuando su mismo padre ya estaba en sus últimos momentos puesto a que si bien recuerdo, en la última película perdió a su esposa, por lo que habla con ambos Thor y Loki sobre el fin de Asgard, la profecía llamada ‘Ragnarok’, que hablaba de la primogénita de Odín, Hela quien es la diosa de la muerte y quien entre más tiempo pase en Asgard más poderosa se volvía.

En su primera aparición los hermanos se pierden para caer en un planeta desconocido donde se encuentran primero con una mujer quien primero rescata a Thor solo para entregarlo a un ser increíblemente extraño e hilarante, aunque dominante de su planeta, llamado ‘Grand Master’ quien le dice que no hay salida fácil de aquí, la única manera es de derrotar al campeón de este personaje.

Antes de entrar a la arena Thor, quien se prepara para ir a la pelea, se da cuenta que la mujer quien la había capturado era una Valkyrie, una de las guerreras dentro del ejército elite del reino de su hogar, quien le cuenta a Thor, que ha perdido a toda su familia a consecuencia de Odín y Hela.

Ya una vez en la arena de guerra nos da la sorpresa de que el campeón del ‘Gran Master’ es nadie más que The Hulk, quien ha estado en este planeta por casi 2 años sin convertirse en Bruce Banner, disfrutando de destruir o causar tanto desmadre ante la población de este planeta extraño. Después de la pelea, estos dos se juntan para escapar del planeta, y que después junto con Loki y Valkyrie hacia Asgard para salvarlo.

Tristemente una vez llegando ahí Hela ya tiene a la población controlada con temor, pero es aquí donde regresa Hemidall siendo ahora protector de aquellos que están corriendo del poder de Hela.

Aquí es donde se da la batalla épica entre Hela y Thor, cada uno con sus respectivos poderes, aunque se nota aún más que cada minuto que pasa ella en su hogar, más poderosa se vuelve, hasta el punto en que es ella quien gana la pelea, y es cuando Thor tenga que idear un plan que no sea solamente ganar a golpes. Y es una vez que nos regresamos a la primera escena de la película donde un villano que pensábamos que estaba de más, es aquel quien se llevará una pelea más equitativa con Hela. Y es durante esta pelea que Thor se da cuenta que Asgard no es un lugar, sino su gente y el final tenemos que la población se salva mientras ve a su planeta ser destruido en flamas, aunque con un sentido melancólico y con un final agridulce.

Dando mi punto de vista, la película es verdaderamente excepcional, una mezcla excelente de humor con sus momentos serios sin opacar los unos a los otros, la personificación constante de cada uno de los personajes y una bellísima fotografía, mas aparte de que creo que fue Taika quien finalmente le puso atención a la música que se usa de fondo en las escenas y la adapto perfectamente a estas; sin necesidad de que opacáran la importancia de la actuación como es del caso de la de GotG; sino que amplifica e enfoca la escena de una manera sútil pero muy bien ejecutada.

También se ve en varias escenas referencias a la cinematografía de Patty Jenkins en WW o hasta de Zack Snyder, me refiero en específico a la escena donde es Thor contra el ejército de Hela y en varias otras, aunque eso a lo mejor soy yo.

En lo personal, este ha sido uno de los mejores trabajos que ha sacado Marvel hasta ahorita, aquí se demuestra que se puede hacer una película con acción, comedia y momentos serios sin que una opaque a la otra, que sus momentos melancólicos o serios no sean opacados por chistes forzados o malas personificaciones, aparte de que como dije al principio, es Taika quien hizo lo que Marvel no han podido hacer en todas sus últimas películas, ponerle color.

Una de las cosas que más me ha molestado de Marvel, es la cinematografía básica que tienen, pueden decir que ‘Doctor Strange’ tuvo buena cinematografía, pero no es cierto, simplemente tuvo buenos efectos especiales, también si quieren decir lo mismo de GotG, pero no, simplemente tuvo bonitas escenas en el espacio y también buenos efectos, no usaron escalas de colores o unirlos al sentimiento de la escena o hacer que alguna de estas predominaran a manera de que fuera de enfoque; fue finalmente con Taika que se hizo esto, haciendo la película sentir completamente diferente a cualquier otro trabajo de Marvel.

Verdaderamente uno de los mejores trabajos de Marvel hasta ahorita, diferente e original (no, no es unika y diferenteh como la Harli Kwin), simplemente una buena película para disfrutar.

4/5

-Andrea MR

“I’m Not a Queen, or a Monster… I’m the God of Death! What Were You the God of, Again?”

IT (2017) Reseña

Ayer noche, por fin fui a ver la nueva versión del clásico de Stephen King, ‘IT’ el remake del clásico de las 90’ que fue la pesadilla de muchos nosotros de jóvenes, (que ahora ya casi todos adultos); y puedo decir que verdaderamente me gusto más la versión nueva que la original.

Creo que ya todos sabemos la historia de IT, la famosa escena del barquito de papel donde empieza la película, el club de los losers y como cada uno de estos niños están cada uno lidiando con cosas en sus casas y demás.

Pero a contrario de la original esta no acaba todavía, sino que la van a dividir en dos partes, ósea habrá secuela, si mal no recuerdo, será para el 2019. Pero no es de esto de lo que quería hablar, sino de toda las referencias o más bien simbolismos dentro de la película que a lo mejor mucha gente no entendió por el hecho de que esperaban una película de terror sencilla como la clásica, junto con el payaso que ‘si daba miedo’ y no algo más profundo.

No he leído el libro, entonces me voy a ir básicamente por lo que vi en las películas.

Creo que uno de los mayores referentes en la película es el caso de la pedofilia, la idea del payaso en si sería esa. Tristemente la pedofilia y el abuso infantil es algo que hoy en día todavía afecta a muchos niños, pero como es un tema muy controversial nadie lo menciona, y eso es un problema en si también, hay que hablar de estos temas para enfrentarlos y proteger a todos aquellos que sufrieron de esto.

El payaso alguien que se viste de algo para atraer niños solo para luego ser su peor pesadilla; se alimenta de sus miedos, cualquiera con la mínima filosofía podría ver eso, pero creo que es más clara en este remake que en la clásica, esto puede dar alegoría al claro hecho de que las personas que cometen crímenes sexuales no lo hacen por el placer, sino por el poder que les da esto sobre la víctima.

La original es claramente solo una película de terror; muy buena, pero solo eso; en esta se ve más claro lo que es todo esto.

Pero no solo eso sino, también uno de los clásicos problemas en los pequeños pueblos, que es la indiferencia. Contrario a lo que muchos piensan, los pueblos pequeños no son como nos los imaginamos, no son pueblitos en los que todos se preocupan por todos, sino que es un secreto de boca en boca; un claro ejemplo de esto en la película es con el papá de Beverly y cuando la mamá de Eddie va y le dice a ella que sabe ‘lo que ha hecho’ como si fuera su culpa. También la escena donde a Ben lo están golpeando los bullies, y pasa un carro decidiendo ignorarlo; ahora en la película se puede decir que es por el control que tiene Pennywise sobre la ciudad y sobre sus adultos, pero, ¿cuantas veces no ha pasado esto en la vida real? No porque haya un payaso malvado viendo en el subterráneo de nuestra ciudad, sino porque es más fácil ignorar algo así que aceptar que hay personas malas en el mundo y que esto está verdaderamente pasando en frente de nosotros.

También otro buen referente son los malos padres; en las pocas escenas en las que salen, se da a notar que son terribles cada uno a su manera, y como afectan a los niños de maneras diferentes cada uno.

Tenemos el más claro ejemplo que es el papá de Beverly, quien claramente la está abusando sexualmente, y como esto le afecta en el hecho de que no se puede relacionar bien con las personas y que no fue hasta que se encontró con el ‘club de los losers’ que claramente no tenía muchos amigos, también que le era más fácil ser odiada a ser honesta, porque la gente la creía puta, y era eso más fácil para ellos. Otro caso es con Eddie, con su mamá controladora lo afecta de manera que él se hace increíblemente paranoico con casi todo, después el papá de Stanley quien claramente está poniendo demasiada presión sobre él, donde se ve en la escena dentro de la sinagoga y uno de los que creo que fueron más impactantes, fue el caso del bully Bowers. Que al principio de la película pensamos que es solamente como cualquier bully, pero al progresar nos damos cuenta que hay algo más que eso.

No es solo abusivo con los niños sino increíblemente violento hasta el punto que asusta a sus propios amigos. No es hasta después que vemos a su papá que nos da una vaga idea de lo que en verdad pasa detrás de puertas que le afecta tan claramente, es la escena con la pistola donde da alegoría a que el papa de Henry es abusivo físicamente, por lo que este decide desquitarse violentamente con otros por su propia impotencia hacia esto.

Esa fue personalmente una de las escenas que más me gustaron, porque también aquí se muestra claramente que Pennywise no es solo ‘el payaso malvado’ sino que es algo más de lo que se ve a primera instancia.

En esta parte es donde el payaso le regresa el cuchillo que se le había perdido cuando estaba aterrorizando a Benny, haciendo que tenga más miedo porque parece que ahora alguien más sabe algo, después entra a la casa y es aquí cuando nos damos cuenta que debimos de haber puesto atención en lo que estaba diciendo la tele, porque aquí se ve donde influyo estos medios no solo sobre un padre, sino sobre toda la ciudad, pero a pesar de esto, NADIE se dio cuenta; ni siquiera nuestros pequeños héroes.

Lo que suena en la televisión es Pennywise, diciéndole que mate a su papá, que los mate a todos y este siendo un niño aun, cae en la trampa, haciendo lo que el payaso dice. Esto se puede tomar en referencia a la manipulación de los medios sobre la población, la violencia que muestran y la facilidad con la que se toma, pero también la manipulación de los adultos, en especial los pedófilos, sobre los niños. Como con unas cuantas palabras u objetos se puede llegar a manipular a un niño tan fácilmente, en especial con el hecho de que están faltos de cariño y amor en sus casas. No justificando lo que hizo, porque no hay justificación para matar a alguien, pero no es tan sorprendente y es algo que si tan solo alguien hubiera notado antes, hubiera sido otra historia.

La película está fácilmente llena de escenas de miedo, pero son más las escenas con un trasfondo que te deja pensando a que se refería, como si es algo que no es muy claro pero está ahí, en la esquina de tu vista, que si tal vez te pones a pensar un poco más, darías con ello.

Como las escenas de Beverly y su papá, que sin la música no daría muy buena idea a lo que en verdad está pasando detrás de las cortinas hasta el final. También es en estas escenas donde se demuestra claramente que no es solo un payaso maldito, sino tal vez alguna alegoría a lo que como adultos no queremos ver. La televisión, la indiferencia y la falta de responsabilidad por parte de los padres son en mucho un tema esencial en la película, pero que no es lo que se ve a primera vista.

Tenemos también la escena final, que empieza con Beverly derrotando a su papá en lo que pudo haber sido algo peor, pero que Pennywise se la lleva, para atraer a los demás niños.

Es a partir de aquí que las cosas cambian, porque es en este momento cuando los niños ya no le tienen miedo al payaso, sino coraje, enojo hacia este, por todo lo que les ha hecho y por todo lo que les ha quitado, es esta escena donde se culmina todo en la película. Es aquí donde Bill es atrapado por el payaso y este les dice que tienen dos caminos, o se quedan para morir o dejan a su amigo mientras ustedes viven sin preocupaciones; estos siendo amigos deciden mejor salvar a su amigo con la que probablemente será una icónica frase que será vendida en toda la mercancía que vendrá:

“You punched me, made me walk through shitty water, dragged me through a crackhouse… and now I’m gonna have to kill this fucking clown!”

Es aquí donde entre todos enfrentan sus mayores miedos con una furia culminante, con Pennywise tomando la cara del papá de Beverly solo para que esta le partiera su madre. Y con esto cambian los papeles de los personajes y es finalmente donde ahora el payaso es quien tiene miedo y no los niños. Este desaparece salvándose como queda y deja a los niños finalmente solos a lamerse sus heridas en paz. Esto dándonos el espacio y la idea de que habrá secuela, porque todavía falta mucho por contar sobre The Loser’s Club.

Y en la película hay muchas más cosas que podemos tomar, la historia de Mike, el poema de Ben; también que habla más y es mucho más trágico sobre la desaparición y asesinato de Georgie, el hermano de Bill. La verdad la película tiene de mucho donde tomar y creo que nunca acabaríamos de analizarla, pero si buscan una película de terror sencilla para pasar el día no la van a encontrar, el payaso no da miedo y no está ahí solo para hacer tu peor pesadilla, sino que es algo mas como esas esquinas oscuras de tu ciudad, donde sabes que hay algo escondido ahí.

Muy buena y muy recomendada; esperando con ansías la secuela.

5/5

-Andrea MR

This isn’t real enough for you, Billy? I’m not real enough for you? It was real enough for Georgie.

Reseña Musical – ‘Rainbow’ de Kesha

Cualquiera que estuvo al pendiente del caso de Kesha vs Sony, sabe cómo llegamos hasta ahorita, los que no, deberían de saber que fue un verdadero escándalo, pero más que nada fue una muestra de la falta de humanidad que tienen las grandes compañías musicales hacia sus artistas, pero lo peor de todo, es la muestra de sexismo y falta de empatía hacia las mujeres en un medio tan monopolizado como es la industria musical.

A pesar de todo esto, Kesha, bien conocida por su éxito de “Tik Tok” logro salir adelante con un nuevo disco titulado ‘Rainbow’, demostrando que más que un buen equipo de producción y de publicidad, lo que más se necesita en esta industria es talento, que claramente demuestra en este trabajo más que en sus discos anteriores, aunque tampoco es que no gustaran o que no estuvieran buenos, sino que se nota la diferencia entre un trabajo sobre producido solo para pegar en la radio, a un verdadero trabajo artístico.

Con colaboraciones con Dolly Parton, Eagles of Death Metal y The Dap Kings Horns, se forma un disco verdaderamente fuerte y con sentimiento; tanto con canciones movidas como para bailar en donde las pongan, como baladas para reflexionar sobre uno mismo.

El disco empieza con el tema de ‘Bastards’ hablando sobre como siempre habrá aquellos que querrán tumbarte y derrumbarte, pero nunca deberás dejarte caer por aquellas personas, solo para seguir con ‘Let ‘Em Talk’ hablando se lo mismo, sobre cómo no dejemos que los chismes y malas influencias nos controlen, después vamos con los que considero son las más poderosas del álbum.

‘Woman’, un tema hablando del orgullo que es ser mujer, de ser toda una mujer sin importar como te traten o te menos precien; después sigue ‘Hymm’ hablando de libertad y de ser honesto contigo mismo, ser libre y tomar esa misma libertad con las manos.

Vamos después con el primer single de este disco, que fácilmente causo el más impacto dentro del disco y con el video, me refiero a la canción de ‘Praying’ donde habla muy de frente sobre todo lo que sufrió a manos de quien le hicieron daño, pero también de como de esto se hizo más fuerte y que ella reza por que vean la verdad y el daño que hicieron para que finalmente cambien para bien y encuentren la luz.

‘Learn To Let Go’ y ‘Finding You’, una hablando sobre como dejar el pasado en donde debe de quedarse y aceptar el cambio, mientras que la última es una canción de amor, con frases tan bonitas como:

“I know forever don’t exist

But after this life, I’ll find you in the next

So when I say forever it’s the goddamn truth

I’ll keep finding, finding you…”

Solamente para después parar con la canción del mismo nombre que el álbum ‘Rainbow’ que describe su desconfianza y pelea para volver a confiar y darse esa libertad de ser ella misma otra vez, de sobrevivir todo el dolor por el que tuvo que pasar. Con bella letra y música imponente, una de las más memorables del disco, sin duda alguna.

Después vamos con las movidas como, ‘Hunt You Down’, ‘Boogie Feet’ y ‘Boots’ que más que temas importantes, son canciones movidas con su simple propósito de hacer bailar a quien las escuche.

Casi al final, tenemos la colaboración estilo country con la famosa cantante Dolly Parton, con la canción de ‘Old Flame’ hablando de amores pasados y demás, un tema excepcionalmente construido y trabajado, con la maravillosa voz de Dolly junto con Kesha logran hacer de esta lo que pudo haber sido una canción para el olvido un excelente tema más para este álbum.

Para finalizar con temas al estilo sin sentido, muy bien conocido para una artista como Kesha, son las canciones de ‘Godzilla’ y ‘Spaceship’. Aunque no sean temas muy imponentes en el álbum, son el cierre perfecto para acabar el disco, verdaderamente una manera excelente para cerrar este trabajo.

Honestamente, espero que sea nominado para algún premio, con este Kesha demuestra que más que canciones movidas y pegajosas, tiene talento todavía a demostrar y que quienes la detenían a ser mas, están finalmente fuera y que ahora puede brillar como la estrella que siempre fue.

4.5/5

” I can’t lose hope, what’s left of my heart’s still made of gold!”

-Andrea MR