Review de High As Hope (2018)

Una de mis artistas favorita acaba de sacar nuevo álbum, Florence + The Machine ha sido una de las personas, no solo artistas que más admiro, no solo por su música, sino por cómo es también.

Claramente una persona culta y completamente artística, ha demostrado que no solo tiene talento sino conocimiento vasto sobre literatura, arte, música y demás; aun si ella misma dice que su vida ha sido hasta ahorita un completo desastre.

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Desde Lungs ha demostrado ser una persona con increíble talento tanto vocal como lirico, haciendo constantes referencias bíblicas y literarias como artísticas. Después nos vamos a Ceremonials que fue probablemente el punto más alto de la banda que fue cuando estaba teniendo una relación problemática (al parecer todas sus relaciones han sido así) y este ha sido el álbum más conocido de ellos y que simplemente es considerada como una gran obra musical. Y después con How Big, How Blue, How Beautiful que fue hecho después de que pasara unas vacaciones en los pueblos alrededor de las playas de Cancún donde grabo casi 3 videos y fue, junto con LA la inspiración de la mayoría de las canciones. Personalmente uno de mis álbumes favoritos de la banda donde hablaba de su sentido de autodestrucción, el conocerse a uno mismo y dejar ir todo aquello que no era bueno para ella.

Y finalmente vamos con High as Hope, su último trabajo y que según las propias palabras de la cantante, Florence Welch, uno de los más personales.

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En este habla de sus sentimientos al presentarse en vivo, su hermana, su amor hacia Patti Smith y su evolución y crecimiento emocional.

Empezamos con “June”, esta canción haciendo referencia a lo que dice ella misma en cada concierto de ‘Hold on to each other’ y fue la primera canción escrita después del tour de HBHBHB; pero más importante este hacia la comunidad LGBTQ+ recordando a la masacre de Orlando Pulse que pasó cuando la banda estaba en su tour en Chicago dando:

‘Woke up in Chicago and the sky turned black’

‘In those heavy days in June, when love became an act of defiance’

Después tenemos la canción que es el single principal del álbum, “Hunger”, aquí Florence ha dicho que es un poema que nunca iba a ser canción donde habla de sus maneras de encontrar amor en cosas que no era amor y de cómo se ha inspirado en mujeres jóvenes que ha conocido.

Luego tenemos “South London Forever” en donde nos habla sobre sus años de universitaria de regreso en Londres. Aquí nos cuenta como se vivía con amigos, tomando y divirtiéndose con sus amigos entre alcohol y drogas, pensando que esto era el punto cúspide de su libertad y libertinaje.

Seguido vamos con “Big God” que nos habla sobre ese sentimiento de cuando alguien no te contesta los mensajes, pero también aquí Florence nos muestra como no es el mensaje en si lo que nos hace sentir ese vacío dentro de nosotros y como nos hace falta un ‘gran dios’ para llenar ese vacío más que un text.

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Es una de las canciones en el álbum más emocionales puesto a todo el simbolismo en el que se habla a pesar de la simplicidad de la letra. Nos demuestra de otra manera como ha sido su crecimiento emocional.

Ahora vamos con lo que fue el primero single del álbum “Sky Full of Song” donde habla sobre cómo se siente cuando está en el escenario con:

‘Grab me by my ankles, I’ve been flying for too long, I couldn’t hide from the thunder in a sky full of song, And I want you so badly, but you could be anyone, I couldn’t hide from the thunder in a sky full of song’

En esta canción nos habla principalmente sobre como siente que se eleva cuando hace conciertos, como cantando a los cielos, llenándolos con sus canciones siente que ella misma se eleva, lo suficiente como para olvidar o dejar a un lado todos sus problemas, pero también la soledad que sentía al bajarse del escenario donde tiene que hacer cara a todas estas dificultades que siguen ahí después de haber compartido todo con el público.

Sobre esto me gustaría relacionarla un poco con otra de las mujeres más importantes de la música Janis Joplin; mientras siento que muchos la comparan con Stevie Nicks (quien también es uno de los amores más grandes de mi vida) y tienen razón en compararla con ella, siendo que tienen una temática y lirica muy parecida, pero siento que se parece mucho más a Janis en manera en que las dos son personas emocionales en el escenario quien también hablo sobre sus emociones en el escenario con la famosa frase con : ‘On stage, I make love to 25,000 different people, then I go home alone.’ También es bien conocido el incidente donde se rasgó un musculo de bailar demasiado en comparación a Florence cuando en Coachella y se rompió el pie saltando del escenario.

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Después tenemos “Grace” una canción dedicada a su hermana, en el que habla sobre cómo no están en los mejores términos y sobre como ella siempre ha sido como ‘la hermana mayor’ a pesar de ser la menor. También menciona sobre como arruino su fiesta de cumpleaños siendo que estaba drogada en ácido y alcoholizada. Y siendo que su familia tiene ciertos problemas diciendo que se quieren ha decidido decirlo por medio de una canción.

Seguido tenemos “Patricia” en donde hace homenaje a Patti Smith quien dice que ha sido como una luz constante que la guiado hasta ahorita, sea con ambas su música o su trabajo literario.

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Luego tenemos la canción  “100 Years” donde habla sobre cómo ha sufrido por quien ama dando tiempo a su amante siendo aunque ella sufre por este. También habla sobre el empoderamiento femenino y el movimiento de #MeToo:

‘And women raged as old men fumbled and cried, We’re sorry, we thought you didn’t care, oh.’

Ahora vamos con “The End of Love” en donde habla sobre su relación con su familia, en donde habla sobre la leyenda de su familia que su tatarabuelo era marinero que fue de los pocos que se salvó de una tormenta y sobre el suicidio de su abuela y como la marco en su vida tanto a ella como al resto de su familia.

Finalmente terminamos con “No Choir” donde habla sobre como es bien conocida por escribir canciones sobre desamores y que mientras es bien reconocida por hacer canciones con coros y gran orquestra pero que al mismo tiempo si hace lo mismo tan seguido será olvidada y como esto aburrirá a su audiencia. Luego habla sobre cómo empezó a hacerse artista más que nada para ella lidiar con sus problemas emocionales, pero después como ha compartido tanto con su audiencia y hecho recuerdos que le han ayudado a ella en sus problemas.

Para terminar, quiero decir personalmente que este ha sido uno de los álbumes más honestos que ha hecho, en algunas canciones si se nota que han sido poemas antes que canciones, pero aun así no deja de sorprendernos con su honestidad y talento al hacer toda esta producción (este ha sido su primer trabajo como productora) y también como este fue su primer álbum escrito completamente sobra. En este trabajo demuestra no solo una madurez emocional, sino que el talento es más que sufrir por el mismo arte, sino es verlo de una manera diferente que común y que simplemente el talento que tiene lo sigue demostrando en este último trabajo.

Esperemos que vengan más por mucho tiempo.

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-Andrea MR

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Un Poco Sobre la Verdadera Historia de Wonder Woman

Creo que en lo poco que he escrito en este blog, se pueden dar cuenta que una de mis personajes favoritas es Wonder Woman, tanto en comics, como en todo lo demás del universo de DC, este personaje es uno de los importantes e icónicos dentro de esta industria; pero siento, en lo personal, que muy pocas personas conocen su verdadera historia.

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Esta tiene una historia muy interesante, empezando por sus orígenes.

Creada desde inicios de 1940 por el famoso psicólogo y creador del detector de mentiras William Marston, quien escribió y publico su primera tira en All Star Comics, a finales de 1941, para después tener su propia serie en Sensation Comics en 1942.

Este personaje fue creado como respuesta a la popularidad de tanto Superman como Batman, junto con el hecho de que era los inicios de lo que se conocería como el feminismo moderno y en el mismo tiempo cuando las mujeres de Estados Unidos se unían al campo laboral por primera vez a respuesta de todos los hombres dejando este para enlistarse en la guerra.

Marston fue muy criticado con la creación de este personaje, siendo que era la primera súper heroína con su propia publicación, este contesto “que la peor ofensa de los comics es su violenta y sangrienta sobre masculinidad”  Pero, mientras muchos conocen esta historia, no fue esta la razón por la que tenemos a la Diana de hoy en día, sino tomo mucho más que eso.

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Primero empecemos con la famosa controversia de sus orígenes, la vaga iconografía del sadismo y sadomasoquismo, que es algo muy presente en sus primeros números. Esto es algo claro en los primeros números de WW, quien es constantemente vista en cadenas y collares durante sus hazañas. Esto a petición principal del mismo creador que llego a dar inconformidad tanto a su artista Harry G. Peter y a la primera editora de DC, Dorothy Roubicek; quienes se sentían inconformes con la manera en que el personaje era tratado.

Mientras que este creador tenía la idea de que a las mujeres “les gusta ser sumisas de manera sexual” fue inspirado en el movimiento feminista de esos tiempos llevando a inspirar su iconografía en una de las más grandes artistas del movimiento feminista de esos tiempos, Lou Rogers; quien fue contratada por la también famosa feminista y cara famosa por la causa del control de natalidad en EU, Margaret Sanger.

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Entonces fue hasta que Marston mismo contrato a una joven de 18 años como asistente que nos llevó a la WW moderna, Joye Hummel, quien escribía historias un poco más enfocadas en las hazañas y aventuras de esta.

La controversia de este personaje fue tanta, que hasta llego ser parte del famoso trabajo en 1945 que cambio la historia de los comics, Seduction of The Innocent, escrito por el psiquiatra Fredric Wertham quien habla de la ‘mala influencia’ que tenían los comics, sobre los jóvenes, poniendo en ejemplo el famoso caso de Batman y Robín; pero este tenía un disgusto principalmente por WW, diciendo que tenía “un concepto muy avanzado de feminidad y masculinidad” y que “ las mujeres en estas historias están en igual piso que los hombres y que disfrutan de esto”, este le disgustaba le feminismo dentro de las historias de WW.

“Y por el ‘feminismo avanzado’ ¿cuáles eran estas actividades en los comics que las mujeres llevaban a cabo en igualdad con los hombres? No trabajan, no son mujeres de casa, no tienen familia, el amor maternal está completamente ausente. Aun cuando WW adopta una niña tiene más trasfondo lésbico” decía Wertham acerca de la heroína.

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Entonces, para terminar, mientras que fue el doctor Marston su creador, este icónico personaje paso a manos de mucha más gente antes de ser, la Diana actual que todos conocemos y amamos; por lo que aunque la película te diga que fue Elizabeth H. Marston la inspiración de esta heroína, esto es solamente, contar la mitad de la historia.

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-Andrea MR

Reseña: Farewell My Concubine (1993)

Estas vacaciones de invierno me di la oportunidad de ver aquellas películas que me han sido recomendadas desde hace ya tiempo en varios sitios web que frecuento o por gente que conozco en general. Una de estas recomendaciones es lo que considero como una de las mejores joyas del cine en general. Una obra maestra dirigida por Chen Kaige, que entre bellas tomas, dramas personales entrelazados con dramas personales y una evolución tanto de los personajes como de sus alrededores en métodos de paralelismos; ‘Adiós Mi Concubina’ es todo esto y mucho más.

Comenzando con la historia, es mucho más extensa de lo general, se alarga a casi 3 horas, pero es un tiempo excelente para el desarrollo de todo este trabajo.

Empezamos con la introducción de los personajes, en un barrio pobre en algún lugar en la China antigua donde vemos a un grupo teatral infantil, donde los niños son obligados a trabajar ahí por huérfanos que han sido abandonados a manos de los dueños de este teatro. Aquí conocemos a uno de los personajes principales, Cheng Dieyi, quien al ser hijo de una prostituta es abandonado por esta en aquel grupo teatral.

Entre abuso físico y emocional de parte de los dueños, conoce a otro niño, el que será su compañero hasta el final, Duan Xiaolou, quien al verlo tan indefenso lo toma bajo su manto, haciéndole como su protector.

Durante estos años se desarrollan como actores de teatro bajo el duro entrenamiento de sus maestros, en este se toman el trabajo de aprender una obra, la historia del mismo nombre de la película, que narra la historia de una concubina que se suicida en nombre de su amado, quien es conquistador cuando al perder su poder quiere saber qué tan fiel es esta.  Aquí se les otorgan los papeles a ambos, siendo Xiaolou el rey conquistador y Dieyi la concubina. Es aquí donde empieza el desarrollo emocional de estos dos personajes siendo que en una parte de la canción de la concubina él se niega a decir ‘que yo mujer nací’ cambiándolo por ‘yo hombre nací’. En una de estas ocasiones llega un representante de un monarca cuando les pide que este les pide ver la obra. Primero ve a Dieyi y sorprende en su físico al hacer el papel de la concubina, pero cuando se equivoca en la canción se va; no es hasta que Xiaolou se lo pide que este lo hace de la manera correcta ganándoles un lugar a toda la casa teatral con la obra.

Después de montar la obra y dejar en asombro al público, ambos actores principales son llevados a donde uno de los mecenas de la compañía se está quedando, tristemente es quien viola a Dieyi. Después de este suceso traumático, los niños se encuentran a un bebé abandonado y aunque el director le dice que deje al bebé en manos del destino, estos deciden llevarlo con ellos.

Ya después al terminar su aprendizaje en la casa teatral estos dos se hacen actores famosos en la opera de Pekín. Aun juntos en el escenario como fuera de este aunque ambos sean tan diferentes, Dieyi ahora llamado Douzi es gay, enamorado de su compañero Xiaolou ahora llamado Shitou quien es mujeriego y se enamora perdidamente de una prostituta llamada Juxian.

A partir de esto se desemboca toda una carrera de desastres entre estos tres personajes, tomando en cuenta el tiempo en cuando esto sucede, durante la ocupación japonesa donde Douzi es obligado a cantar enfrente de los japoneses para liberar a su Shitou, después cuando China es liberada y este es juzgado como traidor de la nación y ser salvado cuando uno de sus amantes, el patrón de la opera quien lo intenta sacar de la problemática situación y aunque Douzi rechaza este testimonio, los militares se lo llevan, donde es liberado para que actué para la nueva autoridad; es aquí donde empieza su adicción al opio, que afecta su voz y hace que no pueda cantar hasta que lo deje.

Después de dejar su adicción, este regresa al teatro, haciendo parte en las obras comunistas del gobierno actual de China, al dar a conocer su disgusto por estas, un joven le llama la atención, diciéndole que está tomando en cuenta una visión capitalista y es cuando Douzi nota que este joven es quien el salvo al llevarlo a la casa de teatro todos esos años atrás. Pero después de que Douzi lo acoge y lo toma bajo su tutela, este lo traiciona y toma su lugar como la concubina en la obra y Shitou decide quedarse con el trabajo del rey y con esto los dos amigos se distancian.

Para terminar, es durante la revolución cultural donde Shitou es acusado de estar en contra del gobierno comunista y junto con su esposa y Douzi, los tres se encuentran dentro de una situación como en una cacería de brujas, y cuando Juxian es acusada de prostituta, Shitou dice que sí y cuando estos le preguntan que si la ama, el responde que ya no. Para esto Juxian se suicida, pero Douzi y Shitou son liberados para dar otra presentación ante el nuevo gobierno.

Finalmente, después de once años, vuelven a practicar la obra, donde Douzi recita de nuevo la canción erróneamente, solo para momentos después suicidarse como la concubina, con la espada de su amado.

Entre la cinematografía, las tomas y los vestuarios que estos usan, hace todo esto un trabajo excelente para evolucionar con la historia, son los pequeños detalles en estas tomas que hacen sentir más una obra que una película de vida. También usando la política y el cambio de tiempo en el que estos personajes evolucionan es algo maravilloso con lo que se tomo en cuenta para hacer este filme.

Uno de los ejemplos de esto es la escena en la que Douzi quiere castigar al joven quien salvo, Xiao Si, que lo castiga como en su infancia haciéndole sostener una palangana llena de agua de rodillas, pero este se rehúsa a tomar este en serio y se va. Muy diferente a lo que vivo Douzi de joven quien tuvo se sufrir esto junto con todos sus compañeros con los que vivo en ese grupo teatral. Esto nos da a entender las diferencias entre estos dos, como Douzi no conoce otra manera de disciplina más que a golpes y que de alguna manera esto le trae un tipo de confort o entendimiento, contrario al joven Si, quien vivió en un tiempo diferente por lo que el castigo lo ve no como algo obligatorio, sino como opresión innecesaria.

También tienes los paralelismos entre los personajes de la obra y los de la película, como ambos Douzi y Shitou encuentran dificultades de cierta manera a culpa de estos personajes, tanto Shitou que no puede razonar su vida entre el teatro y su vida personal, haciendo un desastre de ambas, junto con Douzi quien, como vemos en la última escena, realmente se ha convertido en la concubina.

Verdaderamente una película excepcional que me sorprende que no tenga más renombre con actor asiático tan reconocido como Leslie Cheung; junto con aun más simbolismos y temas queer que inunden esta película, una verdadera joya del séptimo arte.

-Andrea MR

“How truly does this befit you. To you… only you are possessed of such charm.”

Vali Myers, la Bruja del Positano

Recientemente, traída otra vez a mi atención, esta una de las mujeres que considero más emblemáticas en la cuestión del arte y de un estilo de vida en sí. Hablo de Vali Myers, también conocida como dice en el título, ‘La Bruja del Positano’.

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Artista, bailarina, musa y excéntrica, esta mujer fue todo lo que quiso ser y más. Nacida en Australia el 2 de agosto de 1930, de una madre violinista y un padre que era operador de la marina, Vali destaco desde joven en el arte, en especial en la pintura. Fue en seguida que a la tierna edad de 14 años decide irse de la casa solo para terminar trabajando en fábricas para pagarse cursos de baile, siendo exitosa hasta llegar a liderar el Melbourne Modern Ballet Company.

Ya a la edad de 19 años se escapa a Paris tratando de seguir como bailarina pero termina tristemente viviendo en las calles de Saint-Germain-des-Prés. Es aquí donde se encuentra con la escena bohemia que estaba en esos tiempos fuerte en las calles de Europa, donde esta se llega a relacionar con artistas tan importantes como Django Reinhardt, Jean Cocteau, Jean Genet and Jean Paul Sartre, tristemente es en estos tiempos donde cae en una adicción al opio hasta que es recatada por su amante en ese tiempo Rudi Rappold, un arquitecto Austriaco que dejo todo para estar con ella y finalmente en 1952 se van a Italia a vivir en el valle de Positano.

Es aquí donde decide vivir en completa armonía con la naturaleza en su alrededor. Con un estilo de vida radicalmente ecológico, sin carne, sin tecnología, rodeada de todo tipo de animales y en especial de su querido zorro de mascota llamada Foxy. Es en este periodo de tiempo donde vive su momento más artístico y trabaja en sus ilustraciones sin interrupción ni demás distracciones.

Su trabajo artístico es conocido especialmente por sus detalles como de magia, llenos de espiritualidad, traces místicos y embrujados; llenos de figuras femeninas y detalles elegantes. Dejando obras de arte visionarias, como viendo del otro lado del espejo; con detalles de magia antigua o de vida de la naturaleza misma.

Después, ya en los años 70’s se muda a Nueva York y vive ahí hasta 1992, es en este tiempo que decide por primera vez vender su trabajo. Con el respaldo de artistas famosos como Patti Smith, quien gran fan de su trabajo coleccionaba tanto sus pinturas como fotografías de ella, Mick Jagger quien también actualmente es de los pocos quienes todavía tienen sus obras en posesión y el mismo Salvador Dali quien la ayudo a solidificarse como artista. Fue también el famoso Andy Warhol quien le propuso la idea de vender reproducciones de sus obras para quien quisiera.

Finalmente es en este punto donde vive de su obra y de aquí hasta que se va de NY que regresa ocasionalmente a su pequeño valle en Positano. Después de divorciarse de Rappold conoce a un artista Italiano quien será su compañero por el resto de sus días, Gianni Menichetti, quien la ayuda a convertir su pequeño valle en santuario de vida silvestre. Es finalmente en 1993 que regresa a Sydney donde abre un estudio aún regresando de vez en cuando a su pequeño hogar.

 

Tristemente, muere en el 2003 siendo diagnosticada con cáncer a la edad de 72; pero se fue tanto con amor y sin remordimientos que nos deja todo un mensaje de vida:

“I’ve had 72 absolutely flaming years. It [the illness] doesn’t bother me at all…, I put all my effort into living; any dope can drop dead. I’m in the hospital now, and I guess I’ll kick the bucket here. Every beetle does it, every bird, everybody. You come into the world and then you go.”

Vali Myers es en lo personal un absoluto maravilloso ejemplo de vida, una mujer y artista excepcional, dejando un trazo de vida del que muchos quisiéramos llegar a compartir, con un espíritu liberador y mágico quien aun con todas las dificultades que se presentaron en su camino, vivió como quiso y cuando quiso. Sin remordimientos y sin temores, entre sus animales, su arte y sus amantes vivo e hizo más de lo que muchos de nosotros nos atreveríamos.

 

-Andrea MR

“…Because, you know, love, when you’ve lived like I have, you’ve done it all.”

Reseña Musical – Taemin MOVE (2017)

Quisiera comenzar diciendo que no soy mucho de escuchar este género de música, pero últimamente ha estado llamando la atención en tanto los medios americanos como aquellos mundiales que me he tomado la oportunidad de escuchar uno de los tantos ejemplares que hay en este estilo de música.

El segundo álbum de uno de los participantes de la famosa banda kpop Shinee, Taemin nos presenta con un concepto que creo verdaderamente original. Con la participación de Seulgi de la también famosa banda Red Velvet, logra crear un álbum que difiere verdaderamente del sonido que puede ser genérico de muchas bandas de este género.

Empezando por el primer single extraído de este trabajo, MOVE nos demuestra un ejemplo con el concepto de lo que se puede describir como de ‘genero-fluido’ donde vemos al cantante principal con estética delicadamente femenina, también incluyendo a sus bailarinas con estética masculina dando una imagen andrógena que alimenta tanto el baile presentado en el video como la estética de todo el álbum.

Después témenos LOVE, empezando con un suave piano y el gran trabajo vocal por parte del cantante, demostrando y evocando emociones para todo quien lo escuche; sin necesidad de entender lo que se está diciendo. Suave y de alguna manera movida, como una de esas canciones que escuchas en algún filme de un gran amor. Mezclando sonidos technos con el suave guiar del piano, esta canción hace un trabajo excepcional.

Posteriormente tenemos CRAZY 4 U, que tiene un sonido más liberador, suavemente como RnB, que igualmente es la mezcla excelente entre temática y sonidos. Esto siguiente para complementar con la canción consecuente de este, HEART STOP, un trabajo dúo junto con la cantante Seulgi de la también famosa banda de pop surcoreana, Red Velvet. Energizarte y movediza no me sorprendería que sea de las fan favorites.

En consecuente tenemos RISE, poderosa y emblemática, los instrumentos logran empoderar tanto la voz como las emociones de taemin, entregando algo íntimo. Muy contrario a la siguiente canción de este álbum.

THIRSTY no nos deja duda de que habla, sensual con un beat que hace memoria a las canciones de principio de los 90’s con un estilo de RnB mas remarcado que las anteriores canciones. Este ya tiene un MV que trabaja mejor la canción con la versión que se toca en conciertos; lleno de colores y un baile espectacular, esta ya es una de las fan favorites.

STONE HEART y BACK TO YOU son creo las mejores de este álbum, dos canciones muy diferentes la una a la otra pero que creo que tienen un sonido muy diferente e independiente del clásico estilo pop, que no son mucho para bailarles, sino para disfrutarlas como son. Con STONE HEART haciendo un estilo pop clásico pero a la vez trabajando con pausas y bajos haciéndola algo de sonido muy original mientras que BACK TO YOU trabajando con pura guitarra acústica creando un ambiente pacifico haciendo un excelente trabajo vocal sin sonar aburrido o simple.

Mención honorifica para terminar es la canción extra del álbum la de FLAME OF LOVE, que aun siendo solamente un extra, es un ejemplar maravilloso para escuchar.

4/5

-Andrea MR

“Rise my body may burn and turn to ashes, I open my wings wider, Flying, Rise”

Reseña: Justice League (2017)

Finalmente, vamos a hablar de la muy esperada ultima instalación de DC, Justice League y créanme que voy a hacer una reseña despiadada sobre esta película, tengo bastantes puntos los cuales quiero cubrir, por un lado, por mi amor a tanto (en lo personal) a Wonder Woman que junto con el resto de los superhéroes forman la Justice League y por otro lado mi odio a que tanto WB como el odioso y poco talentoso director Joss Whedon se llevaron de lo que en verdad pudo haber sido este trabajo.

Empecemos con la historia en sí. Inspirado por la muerte se Superman, Batman junto con Wonder Woman, deciden reunir a varios seres con poderes para salvar al planeta de una inminente fin que es el villano conocido como Steppenwolf, destructor de planetas y terror galáctico. Para esto resulta que este ya había venido una vez antes a la tierra con la idea de conquistar esta misma y destruir todo ser vivo que se interpusiera en su camino, pero para conseguirlo necesita lo que llegamos a conocer como las ‘cajas madre’ o ‘mother box’; estas son poder en sí, así lo relata Diana, dándonos el recuento del pasado de este épico enfrentamiento entre las Amazonas, los Atleantes y los humanos, quienes uniendo fuerzas pudieron derrotar a este ser. Con estas 3 cajas se puede hacer tanto creación como destrucción, por lo que no debe de quedar en manos de alguien como Steppenwolf.

Finalmente llegamos conociendo a los que se nos unirán después como parte de la liga. Comenzamos con Aquaman, más bien conocido como Arthur Curry, quien reside en un pueblecito en las costas del océano, donde trae alimento y demás a este lugar en los duros inviernos donde nadie viene a ayudarlos, a principio duda mucho de Bruce Wayne, pero después acepta.

Después tenemos a la cuenta chistes de la historia, Barry Allen, mejor conocido como Flash, quien vive solo después de que a su papá lo encarcelaran por el asesinato de su madre, aunque Barry sabe que no fue su culpa. Su relación se lleva de manera corta pero especial, cuando su papá le dice que deje ir de él, que encuentre su futuro y su lugar en el mundo, que vaya a la escuela y consiga trabajo en lo que quiera, que no desperdicie su tiempo en él. Es aquí cuando entra Bruce dándole una oportunidad al joven de unirse a algo tan grande como la JL. Es aquí donde Bruce esperando en su propia ‘batcave’ que fue creada, programada y hecha por el mismo, junto con su traje carmesí.

Para finalizar tenemos al corazón de este grupo, Victor Stone, mejor conocido como Cyborg, quien después de sufrir un accidente, su papá, jefe de Star Labs, utiliza tecnología Kryptoniana para salvar su vida, pero dejándolo desfigurado; mita máquina, mitad humano. Superando su trauma, culpa a su padre de su actualidad. Es aquí cuando se da cuenta que está siendo seguido por alguien, este siendo Bruce Wayne; y es después cuando por medio de la tecnología en la baticueva que logra contactarse con Diana para hablar. Pero no es después que hasta que su padre es secuestrado por uno de las criaturas trabajando para Steppenwolf, un parademon, que este decide unirse también a la liga.

Para esto encuentran una de las cajas madres y con esta deducen que pueden traer a Superman de regreso, que aunque necesario a vista de algunos, peligroso en vista de otros; pero al final y a cuenta, lo hacen y funciona. Pero como no es fácil traer a alguien de regreso de la muerte intacto, este se pone violento hasta que llega Lois a ayudar con Clark.

Después de esto tenemos la escena del reencuentro entre Martha Kent y su hijo, junto con Lois en la granja y cerrando la escena de la familia Kent.

Pasando esto, la liga tiene que lidiar con la venganza de Steppenwolf, quien junto con sus parademons logró conseguir las tres cajas madre, las cuales usara para dar la venia a quien sería Darkseid. Pero gracias a la liga, esto no sucede, junto con Superman, quien después se les une, logran derrotar al villano, siendo que este, una vez que se da cuenta de que no los puede derrotar es llevado por sus sirvientes a otro lado (posiblemente apokolips).

Son Cyborg y Superman quienes salvan el día, separando las cajas madre y que, juntos con la liga, derrotan a Steppenwolf.

Ahora que hemos dado un pequeño resumen de la historia, voy directamente a la masacre de esta misma.

Como todos ya sabemos (y quienes no lo sepan se van a enterar) durante el rodaje de esta película, el director Zack Snyder sufrió la trágica muerte de su hija a causa de un suicidio; no se revelo mucha información sobre el caso y no se necesitó, porque tristemente esto sucedió tiempo antes de que se llevó la noticia a los medios, ya que la familia de los Snyders no se sentían lo suficientemente confiados de que los medios lo tomarían con respeto, porque después de la premier de la película de BVS, tanto los críticos como larga parte de los medios tomaron a hostigar y a hacer comentarios lastimosos sobre una simple película, por lo que la familia decidió dejarlo en secreto por tiempo, hasta que el dolor y la pesadez de perder a su hija fue demasiado para ellos y dejo el proyecto sin terminar.

Para seguir con la película se escogió a Joss Whedon, quien en lo personal fue la peor persona a la que pudieron haber elegido puesto a que sus anteriores trabajos confirman la falta de profesionalismo, talento y tacto para tratar situaciones actuales o el simple buen trato de personajes femeninas.

Ejemplos sencillos como la caracterización de Black Widow por toda la duración de Age of Ultron, y en esta película con la escena donde flash cae sobre los senos de Wonder Woman y donde Martha y Lois hablan cuando dice que Clark pensaba que “era la mujer más sedienta que ha conocido” en referencia al apetito sexual.

Tristemente Whedon escribe como niño caliente adolescente de 16 años que acaba de conseguir su cuenta en pornhub; chistes sexuales básicos sin ningún humor que simplemente incomodan más que hacer reír. También momentos, a los que llamaremos como ‘vacíos’, donde se piensa que serán esenciales o desencadenaran algo importante pero no son más que escenas de relleno. Unos ejemplos como estos seria la escena de la mujer en la tele gritando que su esposo se lo llevaron los aliens y amedrentando a mas no dar; también todas las escenas de la familia rusa. No tenía razón de ser, según fuentes esas escenas son de Whedon y puedo decir personalmente que se nota bastante, puesto a que no sirven de nada, no dan ilusión a la historia, ni representan lo que está pasando. Solo sirven como servicio emocional vacío, como una ilusión de la emoción simplificada de lo que deberíamos estar sitiando; tal vez un reflejo de nosotros mismos en la pantalla, pero llega a ser muy vacía, sin algún entendimiento o complejo emocional.

Finalmente la historia en si tiene muchos huecos en ella, donde a contrario de BVS que se entendían por contexto social, este no da más alegorías. Si al principio se refleja como Superman dentro de esta historia es paralela con la historia de vida de muchos migrantes dentro y fuera de EU, en el resto de la película se tira debajo de la alfombra dejándonos sin idea del contexto de todo aquello que falto decir.

Sin mencionar a parte la muerte y resurrección de Superman; si la muerte de este fue un momento épico y emocional durante BVS, su resurrección dentro de JL fue tratada más como un chiste o algo predecible. Mientras que sí, todos los fans sabíamos que este iba a regresar para ser parte de la liga, el público general no lo sabía. Y con el impacto que tuvo su muerte en BVS era de esperarse que la resurrección de este fuera igual sino más devastaste que la última vez que lo vimos.

Otra cosa que cabe mencionar es Batman, mientras que si se sabía que iba a ser como el ‘papá’ del grupo, eso no quiere decir que iba a cambiar completamente de actitud a chistes sencillos o mejor dicho a relleno con ‘one liners’, contrario a su personalidad en BVS donde está lleno de enojo y rencor y que aunque al final de esta nos demuestra que tiene esperanza en el hombre porque Superman le demostró que es el ser y vivir como humano, como ser humano sobre esta tierra. Vivir, crecer y enamorarse en esta vida, como no ser de aquí no quiere decir que no pertenezcas aquí; falto mucha evolución de su personaje, tan solo de un salto al otro se convirtió en el papá chistes del grupo. Si aunque admito que hay escenas en que esto fue especial para la película, como cuando le da consejos a flash la primera vez que ve a los parademons, después de la resurrección de Superman sus chistes opacan e incomodan y no dejan dar la evolución de su personaje como debió de serlo.

En lo personal creo que el desmadre y la gran pérdida de esta película fueron por varias razones, trataré de ser concreta con ellas.

  1. Warner Brothers tratando de aplacar a la crítica aplicando la misma famosa ‘formula marvel’ que estos parecen amar.

Uno de los problemas fue este; la crítica desde hace ya rato odiaba a Snyder, esto sería desde la primera película del DCEU, la famosa Man Of Steel que toma una dirección diferente sobre la misma historia de Superman, dándole más trasfondo emocional y relacionándolo con los problemas en EU como su trato con los migrantes. Snyder desde hace ya rato declaró que su trato con este gran personaje era con un enfoque de un migrante, alguien aislado por la sociedad por ser diferente, y esto al parecer no gusto mucho al público; sea cual sea la razón no le funciono tampoco a la crítica; pero a los fans les encanto, en especial a las minorías quienes se podían relacionar con esta temática. Esto afecto en especial al villano, en vez de dándole una historia, algún trasfondo en específico, termino convirtiéndose en un villano genérico que solo quiere destruir por hacerlo así, cuando usualmente, este no es el tipo de trabajos por los que Snyder es bien reconocido.

Pero WB queriendo, ¿qué exactamente? Porque dinero si saco y a los fans también les encanto, pero al parecer WB les besa el culo a los críticos que fue lo que primero sucedió con Suicide Squad.

Es bien sabido que esta película tuvo una gran cantidad de cambios en el script original a últimos minutos, haciendo la historia muy contraria a la temática vista en BVS, si en esta era oscura entonces de SS seria brillante, si era compleja ahora es sencilla, si no lleva chistes cada cinco minutos entonces ahora los tendría cada dos minutos; y esto llego a sobre cargar la película haciéndola un fracaso ante la vista de muchos. Aunque por ser original y de buenos personajes la película llego a ser decente, en especial porque era algo que no se había visto y con una historia consistente.

Aquí paso lo mismo, pero a contrario del trabajo de Ayer, que trato de ser lo más consistente posible, JL tiene muchos huecos y momentos vacíos que simplemente no cuentan nada.

  1. Comparaciones constates con el MCU

Las comparaciones con el universo cinematográfico de Marvel han sido desde sus inicios un estorbo en las películas del DCEU, ¿Por qué? Simplemente porque gran parte de la crítica no entiende la diferencia entre ambos titanes de los comics.

Es bien sabido entre fans de ambos de estos que los personajes de los universos trabajan de manera diferente. Marvel es sobre gente común queriendo ser dioses; con chistes y one liners, mientras que DC son dioses queriendo ser humanos; esto llega a dar un sentido filosófico y complejo en el reflejo del ser vivo.

Ambos de estos tienen su estilo característico y si trabajaran al revés, no funcionaria. Y eso es lo que paso en JL; que con el ambiente dado por parte de Snyder desde hace dos películas y también gracias a Patty Jenkins con la maravillosa WW, dio una temática dentro de este universo con el que la JL no sigue.

Y a lo mejor se preguntaran, bueno si las comparaciones son el problema, ¿Por qué WW no tuvo el mismo problema? Simple mi pequeño salta montes, porque WW no tiene ninguna película de comparación dentro de MCU. Para Marvel la primera película de una heroína empieza hasta la película de Captain Marvel con la historia de Carol Danvers; pero esta todavía esta apenas en producción sino todavía antes. Entonces WW es la primera en su tipo, aunque la podrías comparar con las de Captain por la misma temática de la guerra mundial II, Wonder Woman sigue siendo diferente porque ahora la protagonista es mujer y no solo habla de acción y amistad, sino de sexismo, diferencias raciales, amor, esperanza, problemas sociales y demás que las de Marvel simplemente, ni siquiera tocan.

Pero al parecer a los productores de WB no les cae el veinte con este contraste muy diferente entre ambas y se les hizo fácil cambiar todo para aplacar a unos cuantos críticos. Simple y sencillo decir que no les funciono.

  1. El trato con Snyder, el mal trabajo de Whedon, la falta de un soundtrack original por parte de Elfman

Se nota también que tristemente, la muerte de la hija de Snyder les cayó como anillo en el dedo a los de WB ya que a partir de esto pudieron moverle a la película como quisieron, sin ningún limitante como lo hubiera sido Snyder. Haciendo escenas otra vez gastándose millones de dólares solo para meter chistes forzados o sexistas, retomar escenas que ya estaban completas, llenar de momentos vacíos sin ninguna ayuda a la historia principal, haciendo mal CGI al bigote de Cavil en vez de simplemente rasurarlo, etc; se gastó más dinero en estos reshootings que en lo que WB probablemente gane. Otro punto también por tomar es la musicalización del filme; tristemente también Junkie XL y Hans Zimmer se tuvieron que retirar de la producción desde temprano, dejando este trabajo al conocido compositor de Danny Elfman.

Mientras que reconozco que el señor tiene carrera de renombre y talento aquí simplemente se vio mal. Poniendo su propia canción de Batman de filmes anteriores, reusando básicamente los trabajos que hizo para la película de The Avengers, se vio perezoso y sencillamente hasta pena ajena dio ver su mal trabajo en la película.

Pero bueno, a pesar de todo esto, la película sigue atrayendo gente, ¿porque? Simplemente porque es la Justice League. A pesar de todas estas faltas la película sigue de pie; con fenomenal fotografía, llena de colores vivos y momentos brillantes, interacciones especiales entre los personajes llenando cada espacio de este filme y no falta mencionar las especiales actuaciones por parte de cada uno de los actores; tanto Ezra como Ray se llevan la película como los jóvenes de la liga, con momentos llenos de corazón y emoción, logran cautivar a la audiencia de manera especial. Ben y Gal de nuevo hacen un trabajo ejemplar como los líderes de la liga y Mamoa haciendo una introducción épica dentro del universo acuático de Aquaman. Poniendo también a Amy Adams, Diane Lane, que aun con chistes sexistas logran tener su momento; Amber Heard dándonos una Mera tal y como la prometió, chingona.

Sin discutir también la escena especial de post créditos; mientras la primera es una casi respuesta al viejo debate que si es más rápido Flash o Superman, es la segunda quien se lleva el premio, con la aparición de regreso de Lex Luthor desde BVS y la primera aparición en el universo DCEU del maravilloso Deathstroke, caracterizado por Joe Mangianello.

Y muchos más puntos a discutir de esta película, que aun con todo el desmadre tras bambalinas logro salir adelante y que gracias a todos aquellos que trabajaron arduamente por entregar una película con la que todos soñábamos desde niños que dio su prometido; esperanza.

3/5

-Andrea MR

“There are heroes among us. Not to make us feel smaller, but to remind us of what makes us great.”

 

Thor: Ragnarok (2017)

Después de todo una semana de desmadre, finalmente fui a ver la nueva instalación de Marvel, dirigida por el relativamente nuevo en escena director, Taika Waititi, quien se catapulto a la fama trabajando en la excelente comedia de “What We Do in the Shadows”, y debo decir firmemente que Taika hizo lo que Marvel no ha podido hacer en tanta películas, le puso color a sus películas.

Pero vamos a lo primero, la película de Ragnarok habla sobre la destrucción de Asgard que se quedó sin Odín porque Loki decidió llevarlo a tierra, cuando su mismo padre ya estaba en sus últimos momentos puesto a que si bien recuerdo, en la última película perdió a su esposa, por lo que habla con ambos Thor y Loki sobre el fin de Asgard, la profecía llamada ‘Ragnarok’, que hablaba de la primogénita de Odín, Hela quien es la diosa de la muerte y quien entre más tiempo pase en Asgard más poderosa se volvía.

En su primera aparición los hermanos se pierden para caer en un planeta desconocido donde se encuentran primero con una mujer quien primero rescata a Thor solo para entregarlo a un ser increíblemente extraño e hilarante, aunque dominante de su planeta, llamado ‘Grand Master’ quien le dice que no hay salida fácil de aquí, la única manera es de derrotar al campeón de este personaje.

Antes de entrar a la arena Thor, quien se prepara para ir a la pelea, se da cuenta que la mujer quien la había capturado era una Valkyrie, una de las guerreras dentro del ejército elite del reino de su hogar, quien le cuenta a Thor, que ha perdido a toda su familia a consecuencia de Odín y Hela.

Ya una vez en la arena de guerra nos da la sorpresa de que el campeón del ‘Gran Master’ es nadie más que The Hulk, quien ha estado en este planeta por casi 2 años sin convertirse en Bruce Banner, disfrutando de destruir o causar tanto desmadre ante la población de este planeta extraño. Después de la pelea, estos dos se juntan para escapar del planeta, y que después junto con Loki y Valkyrie hacia Asgard para salvarlo.

Tristemente una vez llegando ahí Hela ya tiene a la población controlada con temor, pero es aquí donde regresa Hemidall siendo ahora protector de aquellos que están corriendo del poder de Hela.

Aquí es donde se da la batalla épica entre Hela y Thor, cada uno con sus respectivos poderes, aunque se nota aún más que cada minuto que pasa ella en su hogar, más poderosa se vuelve, hasta el punto en que es ella quien gana la pelea, y es cuando Thor tenga que idear un plan que no sea solamente ganar a golpes. Y es una vez que nos regresamos a la primera escena de la película donde un villano que pensábamos que estaba de más, es aquel quien se llevará una pelea más equitativa con Hela. Y es durante esta pelea que Thor se da cuenta que Asgard no es un lugar, sino su gente y el final tenemos que la población se salva mientras ve a su planeta ser destruido en flamas, aunque con un sentido melancólico y con un final agridulce.

Dando mi punto de vista, la película es verdaderamente excepcional, una mezcla excelente de humor con sus momentos serios sin opacar los unos a los otros, la personificación constante de cada uno de los personajes y una bellísima fotografía, mas aparte de que creo que fue Taika quien finalmente le puso atención a la música que se usa de fondo en las escenas y la adapto perfectamente a estas; sin necesidad de que opacáran la importancia de la actuación como es del caso de la de GotG; sino que amplifica e enfoca la escena de una manera sútil pero muy bien ejecutada.

También se ve en varias escenas referencias a la cinematografía de Patty Jenkins en WW o hasta de Zack Snyder, me refiero en específico a la escena donde es Thor contra el ejército de Hela y en varias otras, aunque eso a lo mejor soy yo.

En lo personal, este ha sido uno de los mejores trabajos que ha sacado Marvel hasta ahorita, aquí se demuestra que se puede hacer una película con acción, comedia y momentos serios sin que una opaque a la otra, que sus momentos melancólicos o serios no sean opacados por chistes forzados o malas personificaciones, aparte de que como dije al principio, es Taika quien hizo lo que Marvel no han podido hacer en todas sus últimas películas, ponerle color.

Una de las cosas que más me ha molestado de Marvel, es la cinematografía básica que tienen, pueden decir que ‘Doctor Strange’ tuvo buena cinematografía, pero no es cierto, simplemente tuvo buenos efectos especiales, también si quieren decir lo mismo de GotG, pero no, simplemente tuvo bonitas escenas en el espacio y también buenos efectos, no usaron escalas de colores o unirlos al sentimiento de la escena o hacer que alguna de estas predominaran a manera de que fuera de enfoque; fue finalmente con Taika que se hizo esto, haciendo la película sentir completamente diferente a cualquier otro trabajo de Marvel.

Verdaderamente uno de los mejores trabajos de Marvel hasta ahorita, diferente e original (no, no es unika y diferenteh como la Harli Kwin), simplemente una buena película para disfrutar.

4/5

-Andrea MR

“I’m Not a Queen, or a Monster… I’m the God of Death! What Were You the God of, Again?”